MEMORIAM 2011

De entre los muchos sucesos acontecidos en el transcurso del 2011, a continuación me atrevo a desplegar una lista de lo que, desde mi gusto personal, representó un particular goce estético a lo largo del año. He de intentar ser lo mas apegado a la cronología de los acontecimientos, si la memoria y las fuentes lo permiten, aunque por seguro hay eventos que invariablemente se escapen, para bien o para mal, de este recuento.

Presentada en el mes de Enero en la galería del Centro Cultural Plaza Fátima y curada por Pati Siller, la propuesta artística de Ana Cervantes fungía como el resultado de un apoyo otorgado por el Pecda (Conarte) en su edición del 2010, bajo el rubro de Jóvenes Creadores. Esta consistía en una instalación compuesta por una pila de bastidores de pequeño formato, emplazados directamente sobre el suelo. Cada pieza mostraba la representación de un objeto en su fase de deshecho o basura, estableciendo una serie de líneas discursivas, desde la reverberación de la imagen sobre si misma, al valor del consumo cotidiano. De ahí el título Remanente.

Ana Cervantes. Remanente. Instalación. 2010

End.Over.End. de Laura Conde fue un compendio de piezas pictóricas expuestas durante el mes de Marzo en el No-Automático; y que desde hacía tiempo, merecían salir a la luz. En su trabajo -un hipermediatizado soft-core desplegado en series de formato pequeño y medio, pinturas compuestas por elementos sustraídos de la estética de los años 50 y un tumblr de imágenes referenciales compiladas de la Web- lo extraño, lo misterioso, se encuentra más allá de la imagen en sí. Laura Conde desdibuja los bordes de la proyección del deseo con el objeto del mismo para confrontar al espectador con un voyeurismo de un pulso ineluctable.

Laura Conde. El Gran Problema 1. 2008

Cabe mencionar que algunas de las piezas de Laura Conde también formaron parte de la exposición Alfileres en la Burbuja, desplegada desde el mes de abril en la pinacoteca del Colegio Civil, misma que, afectada por los recortes presupuestales, se mantuvo en sus muros ad-infinitum. Aludiendo a las diversas manifestaciones de la pintura en la actualidad local, la exposición proyectaba un ejercicio curatorial interesante, llevado a cabo por Marco Granados, en el cual invariablemente se evidenciaba el desequilibrio en los extremos del potencial emergente -y el ya no tan emergente también-. En ésta estuvo presente la interesante propuesta de Raúl Mirlo, compuesta por experimentos de pictografías abstractas que aludían a la imagen pensada a partir del gesto y la colorimetría, las cuales forman parte de su tesis académica.

De la exposición Lo-Fi Heroes en la Galería Regia, de Tomás Hache, destacaron un par de propuestas. Una de ellas es una instalación escultórica que alude a diversas lecturas sobre su contexto, en la cual un personaje, el Lancero de las Estrellas (mixta sobre madera, 2011) navega en un bote sobre la magnitud de una mancha -o de un vacío- de color negro. La otra se compone mas bien de un conjunto de trabajos que -creo- pasaron un poco desapercibidos. Aludiendo a los últimos fracasos del progreso moderno, las piezas Pripyat y Fukushima (mixta sobre madera, ambas de 2011) son también el reflejo del fin del mundo; no como la anunciada catástrofe natural de proporciones mediáticas, sino el final del mundo tal y como le conocemos. Podría decirse que el 2011 fue un buen año para Tomás, al menos en este ámbito, con adquisiciones consecutivas, primero en la Reseña de la Plástica de Nuevo León e inmediatamente después en el Premio Bernardo Elosúa de Arte AC.

Tomás Hache. Pripyat. Políptico. 2011

Una sociedad que emblemáticamente se inviste de una estética que es propia del concepto de la guerra, mas aún, del campo de batalla, es una sociedad que, paulatinamente, acepta y abraza la condición que de una u otra manera le rodea. Ya sea a través de una ideología fundamentada a través del miedo propagado por el poder a través de los medios de comunicación o por estar involuntariamente inmersos en el área de conflicto. Una interesante muestra de esto fue la Exposición Militar que se montó en la Nave Lewis del Parque Fundidora, organizada por la Sedena y el Gobierno del Estado de Nuevo León durante el mes de junio, en un intento de limpiar la imagen del ejército y su contacto directo con la sociedad, en relación a causas de antemano conocidas.

Exposición Militar. Nave Lewis, Parque Fundidora. Monterrey NL. 2011

De entre la excelente selección de documentales de Werner Herzog que se proyectaron en la Cineteca de Nuevo León sustentados por el Centro Cultural Alemán, uno en particular fue destacable. Se trata de The Wild Blue Yonder (2005), una narrativa armada a partir de la suma de sus partes: un plot central desplegado por el narrador, un extraterrestre interpretado por el actor Brad Dourif; footage descartado de los archivos fílmicos de la Nasa y fragmentos que el director decidió reciclar de otro de sus filmes (Encuentros en el Fin del Mundo, el cual concluiría tiempo después), para realizar un montaje de ciencia ficción ambientalista; una especie de mockumentary con una estética de “DIY”.

Werner Herzog. The Wild Blue Yonder. 2005

A finales del mes de julio, auspiciada por el No-Automático, Jessica Salinas presenta un proyecto múltiple bajo el título ET22. Se trata de una compilación de documentales que, en conjunto, especulan sobre la historia alterna de un mundo que se vislumbra bajo la penumbra de su posmodernidad, que vuelve sobre su propia naturaleza cuestionada para reformular sus nociones de origen, destino e historia. Estructurada así a partir de conjeturas antropológicas y teorías de conspiración por la vía del Disinformation, como lo señala David Verástegui en el texto de presentación. Un par de panoramas sci-fi en acrílico y una serie de testimonios a partir de dibujos y narraciones complementan la línea discursiva de la exposición.

Jessica Salinas. ET22. Documentos y dibujos. 2011

Justo el mismo día, el Colectivo Pay de Menta proyectaba una muestra intitulada Retratos 8 Bits, en la sala de videoproyección del Videódromo. Compuesto por una serie de animaciones desarrolladas en lo-res y sin dejar de lado una dosis de humor implícita, el trabajo del colectivo posee un arraigo Pop del todo contemporáneo, haciendo alusión al sujeto retratado a partir de una estética retro, recurrida hoy día a partir de avatars y otras iconostasis mediáticas. Producido y reproducido en un contexto viral, el retratado se convierte en el primer plano de una saturación de mapas de bits infinitos para ser contemplados desde sus orígenes inmediatos: el medio y la pantalla.

Pay de Menta Colectivo. Retratos 8-Bits. 2011

Brownian Movement, cinta neerlandesa de Nanuk Leopold, Drei, del alemán Tom Twiker y la canadiense Gunless, de William Phillips formaron parte de las proyecciones del Festival Internacional de Cine de Monterrey. La primera aborda un denso drama ninfomaníaco a través de una estética exhaustivamente minimalista. Drei es un drama con tintes humorosos acerca de un triángulo amoroso, en donde dos de los vértices se encuentran mas cerca de lo que ellos mismos imaginan; mientras que el caso de Gunless es particularmente interesante. Se trata de una propuesta sencilla, profunda y divertida acerca del pacifismo. Un ejemplo de que una excelente historia no requiere de un derroche apoteósico de efectos especiales para que sea buena y digerible.

Nanuk Leopold. Brownian Movement. 2010

De nuevo en el No-Automático, Daniel Pérez, un prometedor artista de reciente emergencia, despliega en el mes de septiembre un proyecto tan interesante como poco común en la localidad. INF/Trans es una recopilación de datos extraídos de la memoria virtual de sucesos del mismo No-Automático, reestetizados a manera de gráficas que muestran el rastro de lo humano desplazándose colectivamente a través del flujo de sus huellas. Tomando como punto de partida tres medios de análisis –el feed histórico y continuo del Facebook, el Twitter y el blog del lugar- Daniel rastrea los patrones de datos convirtiéndoles en elementos abstractos conformados a partir de gráficas y animaciones. La síntesis de su propuesta sucedía con la transmisión inmediata de live-video desde una cámara web instalada en la entrada del lugar y la sobreimposición -en vivo también- de una gráfica alimentada por un data-matrix y por el tránsito de los visitantes a la misma exposición.

Daniel Pérez. INF/Trans. Live-video. 2011

Experimentando desde hace tiempo con estados sonoros a partir de diversas fuentes y frecuencias, Jeimy Marisol Martínez presenta la pieza Otoemisión, una sutil intervención sobre un muro, que a la vez es un objeto escultórico y una instalación sonora, en el marco de la exposición colectiva Sobre el Muro. Jeimy le otorga una dimensión particular a la pieza al hacer que el espectador participe de ésta para que su intención suceda. Al acercar el oído a la oreja artificial se puede escuchar un sonido de alta frecuencia transmitido a través de la pared, usando el objeto como difusor. Imperceptible de otra manera, la arista hace uso de la mecánica natural del oído humano a la inversa, a partir de una interesante conjugación de audio, arquitectura, escultura y percepción.

Jeimy Marisol Martínez. Otoemisión. Intervención sobre muro. 2011

Luego de participar en el macro evento de street-art denominado Callegenera, llevado a cabo en la hoy autoclausurada Nave Generadores del Centro de las Artes de Nuevo León, Spynnnn One inaugura en noviembre su primera exposición individual, en la Sala de Proyectos del Centro Cultural Plaza Fátima. Iniciado como graffitero con una propuesta poco común, Spynnnn fue trasladando paulatinamente su trabajo, abordando a un tiempo el muro, la tela o el papel, en un sincretismo continuo sustentado principalmente en un abstraccionismo geométrico personalizado, generando series de piezas tan energéticas como las temáticas que aborda. Las intrincadas estructuras que perfila tienen que ver tanto con sistemas celulares como con la magnitud de los fenómenos físicos en apariencia inamovibles, pero en constante evolución. Pasando continuamente de lo macro a lo micro, es la suma de los diversos elementos contenidos a lo largo de sus series lo que conforma una lectura, el peso total de su obra.

Spynnnn One. Mural. 2011

Una de las características de la memoria es, propiamente, la facultad de recordar, de estructurar un almacenamiento esencial de información. Estephania Saldaña realiza una interesante propuesta sobre el establecimiento de narraciones autobiográficas a partir del cúmulo de memoria familiar, en su primera exposición individual, intitulada Recuerdo del Vacío. A partir del rescate de fotografías familiares del pasado, la artista pide a los involucrados en las mismas que reconstruyan el suceso acontecido en la imagen de la que fueron parte. Al intentarlo, la memoria genera diversas líneas de realidad que derivan, invariablemente, en una realidad novelada, reconstruida a partir del fallo de la memoria misma y a la tendencia a llenar el vacío residual con puentes que entretejen el acontecimiento con la suposición del mismo. La exposición, compuesta de las fotografías familiares mencionadas, presentan una pérdida de nitidez al ser ampliadas y transferidas a telas de formatos grandes, representando perfectamente esa borronadura en la que, paulatinamente, se van transformando todos los recuerdos.

Estephania Saldaña. Recuerdo de Un Bautizo. Transfer. 2011

Mas allá de su explosión mediática -el Premio Goncourt, la polémica suscitada a partir del uso de Wikipedia para la conformación de la novela así como la repentina desaparición del autor- El Mapa y el Territorio, la última novela de Michel Houellebecq, es un texto que va de la mano de la madurez, en todos los sentidos, del escritor. Una historia que habla de la continua desintegración del todo: de las últimas ideologías de la modernidad, del mundo como le conocemos y hasta del humano en si mismo. Cada personaje, cada cosa relevante va desvaneciéndose, ya sea con lentitud o violencia, ya sea por desuso o por desarraigo, en un mundo, como referiría Berman, donde todo lo sólido se desvanece, por bien plantado que parezca figurar. Como en sus demás propuestas, el retrato del hombre contemporáneo sigue siendo descarnado y crudo, sin esperanzas ni posibilidades. Todas las ideologías se han vencido, todos los futuros posibles se han perdido en la distancia. No cabe ya ni la idea de tomar una bocanada de aire y hacerse a un lado de la corriente, antes de volver a ser arrasado por ésta, como lo planteara con anterioridad. Un texto concluyente.

Michel Houellebecq

Texto publicado en la revista La Tekla Magazine. Enero2011. http://issuu.com/latekla/docs/la_tekla_enero_2012